Loquillo no necesita presentaciones ni padrinos, pues el mismo se asienta en las bases del rock and roll patrio reinventándose, ya no sólo a sí mismo, sino que además reinventa la música con una actitud tan necesaria como contundente. El artista barcelonés recibió ayer el disco de diamante por haber vendido más de un millón de copias con el sello discográfico EMI. Dicho galardón fue entregado por Simone Bosé (Presidente de EMI) y por Pedro Javaloyes (Director de Rolling Stone) en el Hard Rock Café de Madrid. Pero el acto también se centraba en la reedición y revisión de cuatro de sus discos más importantes pero a la par más incomprendidos por el público mayoritario. Hablamos de “Hombres” (1991), “Mientras Respiremos” (1993), “La Vida por Delante” (1994) y “Tiempos Asesinos” (1996), todos ellos editados con anterioridad por EMI-Hispavox y que ahora se vuelven a editar junto con material adicional y conciertos en DVD que reflejan el sonido auténtico de Los Trogloditas durante aquellos años.

El Loco se levanta de su sillón, sonríe y estrecha la mano invitando a tomar asiento para comenzar a charlar. Sempiterno traje oscuro para unas palabras que rezuman claridad.

Sin la existencia de ciertos discos como “Mientras respiremos” tu carrera pudo haberse estancado. ¿Crees que en el error está la solución?
Hay que cometer errores, siempre. Para levantarse hay que caerse. Si no te mueves no te caes, y si no te caes no te levantas. Eso debe ocurrirle a un artista. Está bien decirlo ahora, pero en los noventa me habría cagado en su puta madre [risas]. Supongo que es algo por lo que hay que pasar, fíjate lo que te digo.

Un trámite, vaya.
Sí. A veces yo siempre digo: «Este está en “primero de rock”», pues a lo mejor todo aquello era “tercero de rock”. “Segundo de rock” es un momento en el cual consigues salir vivo. Ese es el “segundo de rock”. No hay teoría, todo es práctica.

¿Y el examen final?
Bueno, te dan la licenciatura, un diploma del rock and roll… [Risas], pero si que es cierto que hay una serie de pasos en esto, sino no llegas. Es como el Santo Grial o las Pruebas Artúricas. Hay algo de verdad en todo eso.

Pasa con los grupos jóvenes de rock, parece que no se lo toman en serio y que se juntan para pasar el fin de semana o ir a un festival. ¿Ya no hay bandas que se caguen en todo?
Antes la gente iba a un festival creyéndose a donde iban, iban a un sitio donde las cosas eran diferentes. Pero se ha hecho una especie de actitud alternativa que significa no hacer nada.

¿Una actitud nihilista?
Sí. Pero es que eso es conformismo. Noto que falta una banda sonora de gente que refleje lo que está ocurriendo ahora mismo en el país. ¡Hay que ser idiota para no verlo! No lo voy a hacer yo ahora que tengo cincuenta años, es ridículo.

Por otro lado; esto de pensar que el rock es un hobby de fin de semana… ¡es que el rock no es un hobby de fin de semana! Mucha gente se ha jugado la vida, llevar melena en el año setenta y ocho era que te dieran de hostias en la comisaría. Un poco de respeto, por favor, que esto ha costado mucho y hay un camino por delante.

Esto me recuerda a la época aquella de los sesenta y los ye-yés. Estaba el caso de “Los chicos del Preu”, que tenían un grupo, pero después se hacían médicos o algo así y lo dejaban porque eso era una cosa de jóvenes. Pues ahora está pasando lo mismo. Sin embargo hay una gente que considera que el rock es su estilo de vida y su forma de entender las cosas. Pero parece que eso no tenga validez. Esa es mi visión.

A mi me encantaría que una generación de grupos de rock and roll dejara todo patas arriba. Sería cojonudo ver eso otra vez.

Pienso que es la casta política la que no quiere que salgan grupos así de manera directa o indirecta, amordazándoles o inculcándoles unos esquemas o diciéndoles que haciendo rock te vas a morir de hambre.
Sin duda. Es un hecho. Y te diré más: ¿quién más puede hacer eso que aquellos qué consiguieron el poder a través de canciones? Ellos llegaron al poder con una serie de bandas sonoras de artistas determinados que reivindicaban una situación y un país diferente. Como se lo saben, no quieren que pase lo mismo que hicieron ellos y que llegue una generación que los saque a patadas. Es una regla de tres. Vamos a cambiarlo todo para que siga todo igual.

Se pasa de ‘L´estaca’ de Llach a Manel.
Exactamente. Si la referencia es Manel, pues…

…jodidos estamos.
¡Estamos jodidos! Eso es [risas]. Son inofensivos y no molestan a nadie. Gustan a las abuelitas y tal, ¡pues estupendo! Eso me parece muy bien, el folk es así. Hubo músicos que hacían folk e hicieron la revolución. Es para preguntarse que está pasando aquí. Hay mucho de eso que tú dices.

¿Te sientes arropado por los compañeros de profesión?
Es que me da igual. Siempre he viajado solo y en muy pocas ocasiones he querido viajar con alguien más. El mundo de la música es muy individualista, al contrario del mundo del cine, que es corporativista. Los del cine consiguen muchas cosas y nosotros no conseguimos nada. Pero eso sí, somos muy chulos [risas]. Creo yo que eso también hace que no se vea con seriedad lo que hacemos o no haya el respeto adecuado.

Yo tengo mucha envidia de países como Inglaterra o Francia cuando veo el trato a sus artistas, como les ayudan… pero aquí parece que seamos una pandilla de chupópteros y que estamos aquí por el mamoneo y toda esa gilipollez. De verdad, tío, llevo treinta y dos años en esto, no es para que se piensen eso. Insisto.

Piensa que todos los políticos españoles de ahora mismo quieren ser estrellas de rock. El rock ha llegado a un punto en el que se ha introducido en toda la sociedad. La cultura del rock mueve la sociedad. O sea, un político quiere parecerse cada vez más a una estrella. Querer ser un líder, estar en un escenario… ¡llevan parafernalias de un grupo de rock y llenan estadios!

Los cantautores; tres cuartas de lo mismo. Quieren ser también estrellas del rock. Han pasado de la guitarra acústica en el teatro a llevar incluso una banda de rock. ¡Es alucinante! El cambio está en que hace treinta años odiaban a los americanos y ahora quieren ser como Bruce Springsteen. Es brutal.

Si te fijas, toda la cultura pop-rock de los últimos cuarenta años está marcando la sociedad actual. Muchas de las cosas que se discutían en Woodstock, de las que se hablaban a principios de los sesenta, todo eso, ha terminado formando parte de la sociedad actual. Esa es la importancia del rock, que es muchísima culturalmente. Lo saben en todas partes menos aquí.

Claro. De hecho, tanto a ti como a Enrique [Bunbury] o a Andrés [Calamaro] se os ha tachado de chulos y de arrogantes. Pero pienso que les molesta que os toméis en serio lo que hacéis.
Sí. Mira, si tú te encuentras –llegando a otro estatus- con María Dolores Pradera o te encuentras con Raphael o con Peret, los artistas de la música popular española, lo primero que harán será reivindicar su oficio. ¡Y se sienten súper-orgullosos!

Es que aquí se han pensado o han querido vendernos que somos una especie de depredadores de ayuntamientos. Es alucinante.

Que todo esto es un entretenimiento pasajero…
Sí, un hobby que se pasa cuando terminas la carrera. Es como cuando yo pude ir a la Universidad pero mi padre no pudo pagarla, entonces nunca fui por ese motivo y por lo tanto tuve que buscarme la vida de otra manera. Entonces la música fue para mí el lugar donde encontré mi sino.

Y que mejor manera de recordarlo que con estas reediciones.
Correcto, las reediciones y la revisión del artista de su propia obra. Eso es una suerte total. Poder ver las cosas, que se editen tal como eran y no como se editaron, con personajes que no estaban preparados para estar en compañías de discos y que además destrozaron –como en algunos casos- la obra. Ver ahora la obra, en su totalidad. Tal y como fue y tal y como era. Es total, de verdad.

Siendo estos discos los llamados de la “etapa oscura”, ¿las revisiones de estos trabajos han ayudado a que tuvieran más luz?
Yo creo que sí. Además fueron discos que no entiendo por que fueron tan maltratados. Fueron discos de platino. Que yo recuerde en los ochenta tuve un disco de oro y fue con “Mis problemas con las mujeres”, que evidentemente y a día de hoy, ya han superado hasta al platino. Pero en aquel momento fueron discos de oro. “Morir en Primavera” también, pero los discos de platino se consiguieron en los noventa. Incluso un disco como “La vida por delante”, un disco de poesía contemporánea, fue disco de oro en aquel momento.

Yo lo digo con toda la franqueza absoluta: en aquel momento, que alguien que hacía rock and roll hiciera un disco de poesía era un insulto. Estaba muy mal visto. A veces comparo esto como lo que le ocurrió a Dylan cuando se electrificó, solo que a mí al revés. En los conciertos había verdaderas trifulcas entre los fans que apoyaban ese giro contra los que no. ¡Hasta se pegaban! Nosotros fuimos testigos.

Ahora resulta que incluso hay jornadas en las que se hermana la poesía y el rock. Y se ve el rock como la poesía del Siglo XXI. A mí me hace un poco de gracia. Yo recuerdo cuando Lou Reed decía aquello de que para la gente del rock and roll, la poesía, el arte, la literatura o el cine, formaban parte de lo mismo. Quizás aquí se llegó tarde a esa situación, y afortunadamente ahora a nadie le extraña que alguien que venga de un grupo de rock pueda musicar poesía o adaptar la poesía de autores contemporáneos. En aquel momento fue muy duro y quizá esa importancia se vea a partir de ahora.

Lo de “oscura” puede ser porque no fue masiva. Pero insisto: se vendieron más discos que nunca. Es una contradicción absoluta.

Además la inclusión de los DVDs con los directos de aquellas épocas refleja mucho mejor el auténtico sonido que teníais por entonces.
Aquellas etapas con “Los Troglos” de primeros de los noventa eran totalmente ‘killers’, muy ‘killers’. Estábamos mucho más cerca del hard-rock que de otra cosa.

Tan ‘killer’ era que casi acaba con vosotros.
Sí, bueno… acabó con algunos. En aquella época éramos unos bestias, y de hecho el grupo termina en “La vida por delante” porque las deserciones son totales, nadie puede seguir físicamente, estábamos hechos polvo, es entonces cuando me refugio en Gabriel [Sopeña].

Pero en aquellos años que fueron desde el ochenta y ocho al noventa y dos o noventa y tres, vivimos el rock en su máxima expresión, yo quiero pensar que fue así. No envidiábamos en absoluto a los Guns ‘n’ Roses, posiblemente nosotros éramos peor que ellos. Lo de destrozar hoteles, abusos con drogas… te aseguro que en eso, éramos así. Y se refleja en esos momentos.

Pero claro, aquello dejó cadáveres en el pasillo. Yo supongo que el hecho de ser un culo inquieto me salvó de dejarme llevar por el río.

¿Este tipo de vicisitudes que tuviste tanto con Trogloditas, discográficas y público en general te va a ayudar a que en un futuro te comprometas más al cien por cien en lo que haces?
Bueno, desde entonces yo creo que mi carrera ha cambiado muchísimo. Evidentemente necesitaba una autoafirmación que ha venido con los discos del dos mil y que en cierta manera terminan en “Balmoral”. Pero yo siempre he creído que no es buena la autoafirmación si con eso terminas aplastando a la gente.

Yo soy consciente de que la mejor canción es siempre la mejor canción, no quién la ha hecho. Si un día viene el vecino de arriba y me trae la letra de una canción la voy a cantar. No tengo manías en eso. Y en ese sentido en estos momentos puedo trabajar con Jaime Stinus, con Igor Paskual, con Sabino Méndez, con Gabriel Sopeña, con Luis Alberto de Cuenca,… me abren un abanico estupendo porque nunca he tenido problemas de ego en ese sentido.

Yo creo que los autores y los cantautores actuales –desvinculándolos de la carga política que tenían antes- pueden cometer el error de aburrir a un bohemio. ¿Qué quiere decir eso? Pues quiere decir que no puedes mantener la misma línea de nivel durante siete discos seguidos. A mí me ha ayudado mucho tener esas puertas que se abren, porque cuando quiero hacer un disco como el que ahora acabo de grabar sobre la poesía de Luis Alberto de Cuenca, Gabriel Sopeña es la persona.

El próximo disco que pueda hacer, y evidentemente como me conozco y se que soy una persona que va de un extremo a otro, puedo hacer uno de garage y contar con Sabino Méndez. Aparte de lo que yo pueda hacer por mi cuenta, siempre hay unos directores perfectos para cada uno de esos discos. Lo que nunca haría sería creerme que soy tan importante que puedo hacer siete discos a un nivel altísimo porque eso es mentira.

De vez en cuando hay que abrir la puerta, que entre el aire, que se mezcle con otros… eso es importante para el que componga.

Guerrero García nace en la ciudad de Granada con José Antonio García como líder de la formación. Después de su larga trayectoria como vocalista y armónica de 091, y de TNT, Sin perdón y Mezcal. En el año 2004 es cuando crea Guerrero García junto a Tony Guerrero. En ese momento se unen a la formación Carlos Muñoz (guitarra), David Santiago (bajo) y José Rueda (batería). El primer trabajo de estudio de la banda fue un Ep de cuatro cortes, al que en 2007 le siguió un álbum de titulado “El cielo en mi cabeza“. Pero es en 2008 cuando Tony Guerrero abandona la formación que, actualmente está compuesta por el resto de sus miembros originales, la cual -a finales de 2010 y de la mano del sello Diagonal Music-, graban su segundo álbum “Preparados”. Fieles a su estilo, “Preparados” es un disco positivo y directo en el que la banda se entrega y ofrece temas contundentes fusionando con estilo propio rock, blues y country. José Antonio y Carlos Muñoz hablan sobre estos cambios y el nuevo plástico.

¿Cómo se ha presentado la situación tras varios cambios, un anterior Lp y un Ep?
[José Antonio]: Bueno, hemos estado unos años buscando a alguien que quisiera grabar, pero la verdad, tal y como están ahora las cosas nadie llama a las puertas pero es que a nadie le interesa tampoco. Todo este tiempo lo que hemos estado haciendo ha sido tocar. La banda se ha hecho una piña, nos hemos unido mucho más en los momentos bajos. También hemos estado sacando todos los temas para grabar este disco.

¿Había muchos temas anteriores?
[José Antonio]: Nosotros desde el momento en que sacamos el primer disco empezamos a tocar en directo e íbamos sacando temas. Al final, tras una larga trayectoria componiendo nos encontramos más de una veintena de temas, que tras haber hecho una selección de los que –creemos- son los mejores fueron los que entraron en el disco.

Y la salida de la banda de Tony Guerrero marcó un punto de inflexión y el comienzo de este segundo trabajo.
[José Antonio]: Efectivamente. Es que cuando vino este bajón por el tema de la compañía, fue cuando Tony se marchó de la banda. Entonces nosotros como tenemos los gustos afines, nos gustaba el rock and roll y queríamos seguir hacia adelante decidimos quedarnos nosotros para seguir con esto. Carlos [Muñoz] llevó el todo el peso de las guitarras y empezamos a trabajar juntos.

Todo empezó porque yo iba a casa de Tony a grabar unos temas que tenía hechos, de ahí nació el germen de Guerrero García. Pero una vez que Tony se marchó Carlos llevó las riendas para trabajar. Incluso no pensábamos que la banda iba a estar bien con un solo guitarra, porque Carlos es un guitarra muy contundente y suple perfectamente las guitarras. Quiero decir que con él solo va bien la banda.

Carlos, ¿te resultó complicado llevar toda esa responsabilidad con las guitarras?
[Carlos]: No ha sido complicado y como ha dicho José, nos gusta el rock. Hombre, siempre tendemos a hacerlo un poco más duro, pero sin llegar a extremos. Los ensayos han ido bien, con tranquilidad y sin forzar nada. Se simplifica, pero también tienes que sacrificar algunas cosas y arreglos. Es otro tipo de experiencia, no tiene nada que ver con grabar un directo.

[José Antonio]: Creo que incluso hay canciones del anterior disco que al hacerlas ahora solo con Carlos han quedado mucho más potentes. Una base potente de bajo y batería donde él va metiendo arreglos y demás. Yo creo que han quedado contundentes.

[Carlos]: Montando el show también con canciones de “Preparados” también pasa eso, se sacrifican arreglos pero se gana en potencia porque la base, que son David Santiago (bajo) y José Rueda (batería) la hemos reforzado. Nos preguntamos como queríamos que sonara, por lo tanto en los ensayos nos pusimos a trabajarlo junto con la voz de José, que es una voz muy potente. Queríamos que no hubiese elementos muy potentes y la voz suave, sino que fuera todo acorde. En ello estamos, creemos que lo hemos conseguido.

Y habéis grabado por segunda vez con Luca Germini, que además ha ganado un Grammy.
[José Antonio]: Lo de Luca en el otro disco fue porque la compañía nos lo ofreció. Lo del Grammy fue una cosa muy graciosa, porque yo no lo sabía. Nos enteramos al grabar este disco y de casualidad. Recuerdo que estábamos allí, alguien lo llamó por teléfono y le dijeron lo del Grammy, ¡pero yo creía que era de cachondeo! Se lo preguntamos y respondió: «Por ahí anda…» [Risas]. Nosotros vivíamos en su casa y lo tenía guardado justamente en la habitación que yo estaba. Lo tenía ahí guardado con más cacharros y lleno de polvo. Pero vamos, que no le daba importancia.

Grabado también (si no me equivoco) en Guadalajara. Ya no habéis grabado entre Granada y Madrid.
[José Antonio]: Si. Es que el disco anterior lo grabamos en un estudio de Granada (donde grabamos mucho), y lo que hicimos fue llevarnos voces, armonías… la batería que grabamos allí también, y el bajo que grabamos en Italia. Todo eso nos lo llevamos al estudio.

Este disco ha sido totalmente diferente, como Dios manda. Es decir; estando la banda al completo en el estudio, teniendo también la guía… primero la batería, luego el bajo, metiendo guitarras, después la voces… Lo bueno de este disco es que no hemos tenido presión de ningún tipo. No tuvimos el horario estricto de los otros discos o eso de meter a última hora algo porque estuviera mal. La verdad es que aquí la forma de trabajar ha sido diferente, y además estábamos allí viviendo. Aunque íbamos y veníamos a Granada. Carlos ha sido el que más se ha chupado grabación porque estaba un poco más libre.

Cuando nos apetecía y nos encontrábamos bien grabábamos, y eso se nota en el resultado final del disco. Yo creo que esta formula ha dado tan buenos frutos que lo vamos a repetir para futuros discos. Pensamos que el resultado final se transmite en el disco y la gente que lo escuche se dará cuenta.

[Carlos]: Yo no me cansaré de decirlo, y no porque José esté a mi lado, pero yo respeto mucho a 091, pero aunque me gustan esos grupos yo soy fan de José. Este disco es la lache. Por ejemplo en ‘Me falta lo mejor de ti’, ahí se ve ese sentimiento que transmite. O en ‘Dentro de ti’, esa subida que hay en el estribillo. A mi se me ponen los pelos de punta y mira que hemos oído la canción desde que la compusimos hasta que la grabamos. Cada vez que le doy al play me transmite una burrada. Parte de esa culpa tiene el que estuviésemos allí con tranquilidad y grabar cuando nos sentíamos bien. Que surgiera la magia.

También hemos tenido suerte porque Diagonal ha hecho un esfuerzo para que podamos haberlo grabado así. Hay muchos errores en las discográficas, como grabar la voz a última hora, como con prisas, que es la forma de grabar de casi todo el mundo. Y es que la voz es lo más importante en un disco.

O grabar en directo, como se hacía antes.
[Carlos]: Exactamente. ¡Y como sonaban!

[José Antonio]: También eran grupos que estaban rodados porque tocaban muchísimo en directo. Mira el caso de The Beatles y la historia de Hamburgo. En España estarían Los Ángeles, un grupo de los sesenta y en el cual Carlos toca. Se tiraban tocando todos los días, luego llegaban los tíos y lo clavaban. ¿Pero por qué? Porque se lo curraban mucho en directo. Hoy en día cuesta más trabajo hacer eso porque no hay tanto circuito como el que podía existir en los años sesenta. En aquella época la música prácticamente era en vivo. Después vino el tema de pinchar los discos, pero si tú tenías un local tenías que tener un grupo para que tocara.

De hecho, una de las canciones del disco se titula ‘Los 60’s’, que es de lo que estamos hablando.
[José Antonio]: Precisamente nosotros somos unos enamorados de esa época.

Y el título del disco (“Preparados”) también tiene mucho significado…
[José Antonio]: Sí. Es mucho recorrido el que llevamos. Estamos preparados para todo lo que venga. Es decir; estamos listos para todo.

De cara al futuro, ¿pensáis rodar más en directo o pretendéis sacar otro trabajo de estudio?
[José Antonio]: Nosotros lo que queremos es llegar al máximo posible con este disco, aunque ahora está la cosa complicada. Pero bueno, queremos ser positivos y tocar. Realmente el disco es como la ventana para poder tocar. Queremos tocar en directo, no nos gusta otra cosa, y después ya veremos. También pienso que los discos en directo se hacen cuando uno ya tiene una trayectoria un poquito más larga con varios discos y varios éxitos. Es más, ya tenemos más canciones, cosillas, ideas… es seguir trabajando en eso.

Pues sería una buena idea sacar un disco en directo.
[José Antonio]: El problema ahora es que cuesta tanto sacar un disco y cuesta tanto a que la gente pueda acceder a ello porque los medios casi se lo están cargando todo, como aquel que dice. Es muy difícil. Por eso, lo que queremos es solidificar un poco esto, que el grupo está ahí y que nos conozcan. Paso a paso.

[Carlos]: Pero eso no quita que en un futuro haya sorpresas. Ya hubo un intento de hacer un disco en directo que se quedó medio grabado, pero es algo que no descartamos. Estaría bien hacer algo así, como tú bien dices con alguna sorpresita. Alguna cara B o una versión rara. Pero bueno, siempre habrá tiempo para eso.

Lucas lleva cantando, componiendo y grabando profesionalmente desde hace más de 15 años. Sus canciones las han cantado entre otros: Clara montes, Mónica Molina, Sergio Dalma o Raphael. Desde hace 5 años vive en Brunete (Madrid), donde tiene residencia y un estudio de grabación.Actua cada mes en Madrid y por toda España a veces como cantautor (sólo con su guitarra) y otras acompañado de su banda. Ha publicado diversos discos tanto en España como en Argentina, además de haber actuado en muchos países del mundo.

En 2009 publica “Palo al agua” con el sello EMI. Aparte ha auto-publicado los discos “Es un trabajo duro” (2008), “Amantes y un después” (2009). En 2005 graba dos temas para el disco “El Búho Real” bajo la producción de Javier Limón. En 1999 Lucas graba el primer disco de Rayuela como compositor de música y letra, arreglista y productor para la compañía Ritmo y Compás. Ahora entrega “Piscinas vacías”, un nuevo álbum compuesto por diez cortes de gran calidad. Será todo un cónclave en la carrera de Lucas.

¡Ay! Antes, cuando se vendían discos…
Pues antes, cuando se vendían discos en el año 99, 2000… una de mis canciones llamada ‘Luna’ la sacó Clara Montes como single de su segundo disco, y vendió como ciento veinticinco mil copias. Así que con eso, pude dejar una serie de trabajos varios que tenía y dedicarme solo a componer. A partir de ahí empecé a componer por encargo.

Otras canciones mías también las acabaron cogiendo artistas muy distintos: Mónica Molina, Raphael…

¿Cómo llego aquello de Raphael?
Llegó por el productor Paco Trinidad, al que yo le pasaba canciones. En aquel momento estaba produciendo “De vuelta”, el disco de Raphael. Entonces, una canción mía (‘Qué tendrá que ver’) que era más o menos rockera, se la llevó a su lado más “raphaeliano”.

Tras esta antesala… Reparo en el título de tu último trabajo, “Piscinas vacías”. ¿Puede ser una metáfora de lo que es dedicarse a esto?
Si, algo de eso tiene. Me gusta porque es un título muy sugerente. A cada persona que se lo he dicho, a todos, se les abre un universo de interpretaciones distintas. Visualmente es bastante sugerente.

Yo lo puse por una canción que hay en el disco y le da título. Es un tema sentimental, pero me encanta, porque es el primer disco que con el título ya está generando esa expectación. Mucha gente me escribe dando su opinión por el título o pidiendo pistas.

Y estamos hablando del cuarto plástico.
Correcto, el cuarto.

De hecho, te lo produce Diego Montoto. Ya los tenía perdidos desde que sacara “De regreso a mi planeta”.
Si, aunque sacó uno después que se titulaba “A la dirección”. Es más, vivo con él. Vivimos tres músicos en un chalet de Brunete, donde tenemos el estudio. También vivimos con Paco Botía, que es músico y baterista.

En realidad el disco lo produje yo, pero Diego [Montoto] tiene el estudio arriba y lo grabó y mezcló. Digamos que lo hemos hecho a medias, porque entre los dos lo produjimos. Para grabar las baterías y bajos nos fuimos a un estudio más grande porque sino los vecinos nos matan.

Veo que el entorno ha generado esa creatividad.
Si, totalmente. Somos unos músicos que vivimos en el campo. Bueno, vivimos en el campo de día y en la ciudad de noche, lo cual es una combinación que a mí me gusta.

Algo próximo a la bohemia…
Algo así, si [risas]. También hacemos reuniones de músicos en el campo, hacemos picnics con músicos de todas clases y pasamos el día tocando.

Otra cosa en la que reparo, es que llevas muchísimos años tocando por los circuitos pequeños de autor de Madrid, pero no has acabado tocando en sitios más grandes. Con esto me refiero al sonido y al rollo intimista.
He tocado en sitio más grandes. También Galileo, donde siempre presento mis discos. Lo que ocurre es que me gustan mucho los sitios pequeños como Libertad 8, Búho Real… pero los discos siempre los he presentado en Galileo Galilei. También he tocado en Clamores.

Fuera de Madrid también lo presentaré en Buenos Aires, también en Chile. Por allí he estado en sitios grandes aunque ahora estoy volviendo a los sitios medianos.

Y volvemos a lo de antes, la bohemia.
Si. Es que los sitios grandes tienen algunas ventajas, pero me gusta tocar más a menudo en sitios pequeños que esperar tres meses a hacer una sala Galileo, por ejemplo. Me gusta porque estoy más activo, y así cada dos semanas tengo un concierto. Me pone las pilas.

Y es que tu música se escucha mejor si es más cercana.
También. Hay una cosa importante, que es que si tú tienes un concierto cada tres meses terminas esperando a ese concierto haciendo una labor de gestión, que es una labor con gran riesgo ahora mismo de la música de los autogestionados. Pasas en Internet la mayor parte del día y la guitarra la coges cada vez menos.

Es más, la gestión de la música que haces en Internet toma más protagonismo que la propia música, entonces yo prefiero tocar más a menudo, la verdad.

Ahora también estoy de gira con Depedro, haciendo de multiinstrumentista. Te puedes imaginar; todos los fines de semana fuera tocando en Rusia, Estados Unidos, Londres, toda España… por lo que cada vez tengo menos tiempo y estoy agotado pero contento de trabajo.

Es de admirar, puesto que en España es muy difícil vivir de la música.
Si, pero también es cierto que en otros países a los que he viajado donde es mucho más difícil. Por ejemplo, en Estados Unidos es más fácil y el mercado sigue siendo muy potente. Pero en cambio, en Rumania es algo impensable.

Antes has nombrado Argentina, de hecho, en este último disco tienes un tema titulado ‘Madrid-Buenos Aires’. ¿Qué te tira tanto de Buenos Aires? Incluso presentarás allí este álbum.
Llevo mucho tiempo yendo y volviendo de Argentina porque es un sitio donde gustan mucho los cantautores españoles. Son muy buen público, y tenemos allí muchos escenarios.

Suelo ir de gira con Marwan, allí tenemos un mánager, yo tengo discográfica,… son cosas que allí tengo y que aquí no tengo. Vamos casi todos los años. Es una maravilla.

También cambiar un poco de público y de ambiente te rejuvenece y te renueva las energías musicales. Hace poco hablaba esto con Tontxu, porque el hasta hace poco no había salido de España. Yo le estaba insistiendo para que fuera a Argentina. Fue una vez allí y ahora no para de ir [risas]. Aunque en lo económico no te salga rentable, te renuevas mucho porque es público nuevo, y con otra idea de tus propias canciones. Cuando llevas muchos años en el circuito eso se agradece.

Nadie es profeta en su tierra, vaya. Aunque ellos tienen a Calamaro, Fito, Spinetta… cuando Sabina visita Argentina, es recibido como una especie de dios.
Si, efectivamente. Sabina es un dios allí. Es una cosa desmesurada.

Hablando de Sabina –y sin querer hacer ninguna comparación- me he dado cuenta que en tus letras hay mucha poesía. ‘El mundo está mal’ es una canción que destaco porque así lo demuestra. Es muy mediterránea a la vez que sudamericana. Incluso la frase «un ciego en un mundo de tuertos» me ha recordado a “Ensayo sobre la ceguera”.
¿Si? Pues ese es uno de mis libros preferidos de Saramago. Además me marcó bastante. Un ciego en un mundo de tuertos… Si, es una canción de protesta también con autocrítica. Nació de una charla de un sabio hindú [Hira Ratan Manek] que estuvo en Madrid y que hablaba del sun-gazing, que es la contemplación del sol. Dice que durante las primeras horas del amanecer puedes mirar el sol directamente, entonces este tío lo hacía siempre desde hacía sesenta años (tenía ochenta), y casi no se alimentaba más que del sol y de agua. Entonces, este hombre dio una conferencia en Madrid (a la que asistimos 350 personas) y dijo: «No es de hambres ni de guerras de lo que sufre el mundo, es de la cabeza. En cuanto estemos mentalmente sanos, se acabarán las guerras y el hambre.»

Yo salí de allí pensando en que con eso podía hacer un buen estribillo. Hacer canción protesta es muy difícil ahora mismo, aunque motivos hay, pero no es todo tan blanco ni tan negro como antes, pero en cambio, ese tipo de autocrítica y de reflexión me gustó. De ahí salió ‘El mundo está mal’.

También me ha gustado la tendencia pop en ‘Refuerzo positivo de la luz’. Tienes bastantes contrapuntos, no te centras en un sonido característico ni conceptual.
Soy muy descentrado [risas]. No he hecho un disco conceptual, pero he hecho muy pocos discos conceptuales. El anterior disco que se llamaba “Amantes y un después”, era algo más conceptual, más cantautor y estaba dentro de una temática algo romántica.

En general, muchos músicos tendemos a hacer una canción de cada estilo porque es lo que más nos motiva musicalmente.

Yo he intentado aunarlas todas dentro de una temática de letra, pero tampoco lo acabo de conseguir. Me salen canciones que son cada una de su padre y de su madre. Me resulta muy difícil hacer un disco conceptual, aunque espero acabar por conseguirlo. Pero vamos, a mí los discos que realmente me gustan –como los de The Beatles- son muy poco conceptuales, dentro del estilo musical. Cada canción es muy distinta a la anterior, y eso me atrae.

Bueno, “Blood on the tracks” de Dylan es down… y algo conceptual.
Si, si. Aunque “Blood on the tracks” si que tiene un concepto musical bastante claro. Además está Mark Knopfler a la guitarra. Ya entra dentro del Dylan electrificado de los setenta. Hace tiempo que no lo escucho, me alegra que me hagas la referencia.

Mira, ya que hablamos de Dylan. Cambió su sonido pese a las protestas de los más ortodoxos del folk, luego en los 80 hizo unos discos raros de sonido, pero era por lo que sonaba entonces. ¿Tú cambiarias un sonido si te vieras en esa tesitura, como por ejemplo con la electrónica?
Si, lo haría. He hecho mis pinitos, aunque no los he publicado. Pero si que he hecho cosas así. Ahora mismo con “Piscinas vacías” se me abre un montón de cosas porque hay un punto de cambio y no se que es lo que haré siguiente, pero intentaré hacer un disco conceptual y lógico. Normalmente cuando un músico tiene un arma la explota, y eso es lo más válido que hay. Pero cuando has trabajando en distintas músicas y has hecho muchas cosas diferentes, como es mi caso, donde he hecho música de encargo y he trabajado en publicidad, haciendo registros distintos… o en los noventa, que me los pasé con Jairo (Depedro) haciendo versiones de Led Zeppelin.

Mis influencias son: Led Zeppelin, Silvio Rodríguez, Bob Dylan, Pablo Milanés,… muy dispares. Ahora mismo me encanta lo último de Calle 13, porque lo me que gusta en castellano es una buena letra. Cuando escriben bien soy capaz de escucharme un disco de Def Con Dos entero.

Musicalmente hablando el año 2011 ha empezado de las mejores formas posibles. Porque después de casi veinte años de que Sangre Azul diera por finalizado su proyecto musical Tony, su cantante más emblemático, ahora Tony Solo, ha dado a luz “Las Fases De La Luna”, un disco que se mueve bajo los influjos lunáticos de la calidad, el sentimiento y la experiencia. Descubran lo que le contó a un servidor (y a todos ustedes) en la siguiente entrevista.

¿Qué ha hecho Tony Solo, musicalmente hablando, desde la separación de Sangre Azul, allá por 1992?

Impartir clases de canto, ayudar en algunas grabaciones a bandas que estaban empezando y sobre todo, componer, componer, componer…

Y también algunas colaboraciones.

Sí. He colaborado en “Legado De Una Tragedia”, ópera rock sobre la vida y obra de Edgar Allan Poe en la que intervienen varios artistas, en la canción “En La Distancia” de Cripta y en la canción “Mil Noches Y Pico” de Teto. También colaboré hace poco en un tributo a Dio que ya estará a punto de salir.

¿Recuerdas cómo acabaste siendo el vocalista de Sangre Azul?

Carlos Raya y yo ya nos conocíamos desde hacía unos años y siempre habíamos querido tocar juntos pero, por unas causas u otras, no se dieron las circunstancias. Cuando decidieron que el cantante que había en ese momento y Sangre Azul debían separar sus caminos, Carlos me llamó. Lo demás ya es historia.

Acabas de dar a luz un disco titulado “Las Fases De La Luna”. Háblanos un poco de él: cuánto tiempo te llevó grabarlo, dónde lo grabaste, quién o quienes lo ha producido, cuánto tiempo duró la grabación, …

La grabación ha llevado mucho tiempo pero no seguido, sino que hemos ido grabando por rachas. Al contar con unos músicos excepcionales y grandes profesionales, ha sido difícil poder disponer de ellos mucho tiempo seguido. Así pues, el disco se ha ido grabando poco a poco, pero tampoco había prisa, y menos después de 20 años. (Risas). Se ha grabado en El Cielo De Madrid y mezclado y masterizado en Playground Studio. La producción y dirección musical la han realizado Joaquín Padilla y Jacobo García, que han realizado un excelente trabajo también como músicos (teclados, guitarras acústicas, programación, coros, etc.).

Tony, he de decirte que desde que el disco llegó a mis manos no hago otra cosa que ponerlo: en casa, en el coche… Me parece que es de lo mejor que he escuchado en muchísimos años; la música arropa bien los textos y cada palabra se justifica en cada nota. ¿Algo que le haga diferente con respecto a tus anteriores proyectos?

Bueno, no hay proyectos “míos” anteriores. Todo lo que hice antes fue con Sangre Azul con lo que la diferencia principal es que aquí la música y la letra son íntegramente mías, para bien y para mal (…) Soy el único responsable de que te guste o de que no. Antes compartía esta responsabilidad con los otros 4.

Y han colaborado antiguos compañeros tuyos en Sangre Azul, ¿no?

Han colaborado todos pero por separado, es decir, cada uno de ellos en temas
diferentes. No quería crear falsas expectativas de una reunión ni nada por el estilo. Esto es Tony Solo, aunque bien acompañado.

¿Alguna colaboración más?

Julio Rubio (Elyte), Augusto Hernández (Hamlet, Piel y Hueso), Benjamín Pérez, todos ellos han hecho coros además de los productores. Alberto Fernández (Tokyo) ha grabado teclados en “El Malo Del Cuento”. Y, por supuesto, la gran colaboración de Sherpa (Barón Rojo) en el tema “Instinto Animal”. Esto ha sido un sueño cumplido.

Al final has elegido como single el tema que abre el disco, “Unidos Para Siempre”. Aunque el tema que lo bautiza también era firme candidato.

Realmente no. No he elegido ningún tema para single porque creo que hoy en día ya existe ese concepto como tal. El single es el que cada uno quiera.

¿Porqué un título tan astronómico como “Las Fases De La Luna”?

Es una canción que define un poco el concepto de la existencia de este disco y de mi retorno al panorama musical. Además, creo que representa una buena mezcla de lo antiguo y lo nuevo.

¿Quiénes te acompañan en esta nueva aventura musical?

Aparte de los citados Joaquín y Jacobo, en las guitarras eléctricas están Abel Franco y Oliver Martín y en la batería Carlos Expósito. Todos han trabajado como si fuera su propia banda. Desde aquí aprovecho para agradecerles por enésima vez su involucración.

¿Dónde y cuándo podremos disfrutar de Tony Solo en directo?

Eso es lo que ahora está por definirse. No tenemos prisa en este sentido, al igual que no la tuvimos con la grabación. Os mantendremos informados.

¿Y qué nos vamos a encontrar los que asistamos a tus conciertos? ¿Incluyes  en tu repertorio alguna versión de otro grupo o algún tema de Sangre Azul?

Seguramente habría un poco de todo lo que comentas.

¿Qué crees que aporta Tony Solo a la música actual?

Un trabajo sincero y honesto en el que he hecho lo que me apetecía hacer y desde lo más profundo de mi ser.

Después de tantos años, ¿qué es lo que más y lo que menos te gusta del mundo de la música?

Lo que más me gusta sigue siendo “ver nacer y crecer” cada canción y cómo las disfrutan las personas que las oyen. Lo que menos los patanes, mentecatos y pusilánimes que, salvo honrosas excepciones, abundan en la industria, especialmente en la del rock.

¿No tienes la sensación de que en este país siempre estás empezando y siempre tienes que demostrar tu valía?

Yo creo que uno, en éste o en cualquier otro país, debe demostrar siempre su valía. No creo en lo de “vivir del nombre”.

¿Qué piensas acerca de la situación actual de la industria de la música?

¿Qué industria?… ¿La de la música o la del rock en España?… Bromas aparte, estamos tardando mucho en entender y asumir que los tiempos son otros y que hay que buscar diferentes alternativas y adaptarse.

¿Muy diferente de la vivida hace 20 años?

Sin duda. Antes muy pocos podíamos optar a tener un trabajo discográfico en el mercado. Ahora hay medios que permiten que te oiga todo el mundo de un día para otro. El problema está en el exceso de demanda. No hay tiempo material de oír todo lo que sale.

¿Qué consejo le darías a los grupos que están empezando?

Yo no sé qué hay que hacer para tener éxito pero si sé que es difícil conseguirlo sin esto: Ensayad como cabrones. No penséis en la pasta, sino en disfrutarlo; si trabajas duro y crees en ti, la pasta vendrá de una forma u otra. Escuchad lo que os dicen los que os aprecian de verdad, que muchas veces no será lo que queréis oír. Escuchaos entre vosotros y dejaros de gilipolleces de egos, los unos sin los otros no sois nada. Tocad para la canción y no para luciros individualmente. Ensayad como cabrones más aún. Ensayad juntos en el local y no por e-mail.

¿Quieres añadir algo más?

¿Te parece poco? (Risas). Daros las gracias por atenderme y dedicarme este espacio. Un abrazo a tod@s.

Una curiosidad Tony, ¿de quién es la voz del niño que sale en el tema “El Malo Del Cuento”?

De mi sobrino Josito, que es “mu salao”.

Habrá salido a su tío, Tony.