Hijas e hijos del contubernio rockero-americano, Euro-Trash Girl vienen dando sopapos desde el 2003 con “Something to tell you” y su bonita forma de entregar el sentido de la Americana. “Afterhours” significa un amarre más en este barquito que ya se las ha visto con grandes veleros, como Cracker, haciendo con ellos dos giras nacionales.

Pero el principal golpe vino en 2006 con “Kiss away the rain”, un magnífico continente de diez cortes propios a la par que contundentes. Como forma de adelanto a “Floating down memory lane”, siguiente LP que está por venir el próximo Febrero, Euro-Trash Girl editan ahora un EP en vinilo azul bajo el título de “Afterhours”. A las dos versiones que surcan el plástico se le unen la canción que da nombre al artefacto. Dicho corte sirve de aperitivo para el material venidero. Las dos versiones son verdaderas gominotas para el oído: ‘Stop your sobbing‘ de The Kinks y que más tarde popularizaron The Pretenders. La otra viene firmada por Annie Lennox, y no es ni más ni menos que ‘When tomorrow comes‘, enérgico tema archiconocido de Eurythmics.

Es posible que esta pequeña colección se encuentre algo más cercana al Rock ligero, llegando a sobrepasar la frontera que conduce hacia el Pop. Dicho sea de paso que un trabajo desprende energía a raudales desde que empieza hasta que acaba. Ciertamente la mejor composición es la que firman los chicos de Judith Casado, un excelente himno (se antoja así) de carretera. Ya saben. Una banda con las ideas claras y sabiendo muy bien lo que se hacen. Gracias a esto, la actitud se plasma en sus discos, pues hasta la fecha cada uno de sus álbumes ha sido producido por ellos mismos. Cosa de agradecer cuando uno quiere conducir su propio trabajo.

El artwork es cosa de Mireia Pérez. A los más avispados puede que este diseño les recuerde un poco al que El Hortelano hizo para Gabinete Caligari en “Al calor del amor en un bar‘. A la espera de un pronto long-play, Euro-Trash Girl amenizarán de manera notable el tiempo que queda hasta entonces.

Desde el 2008, sin contar con la regrabación de Sesión 2, llevaban los euskaldunes Soziedad Alkoholika sin sacar nuevo trabajo. Con Cadenas de Odio, continúan con su senda dentro del hardcore y rock duro que estaban desarrollando en el anterior Mala Sangre. Sin muchas sorpresas en su disco, el grupo liderado por Juan nos trae 13 nuevos temas cargados de la máxima energía S.A..

Con este trabajo, SA vuelve a la autoedición que ya probaron en su antiguo sello Mil a Gritos, aunque cuenta con la distribución de BOA. Se grabó en Girona aunque se ha masterizado en Dinamarca, en los Antfarm Studios, de la mano de Tue Madsen (Sick of it all, The Haunted), con el que ya trabajaron anteriormente. Quizá nos sorprenda la portada, mucho más heavy de lo que nos tienen acostumbrados, pero es que para realizarla han contado con el gran Brent Elliot, que ha trabajado para grupos como Arch Enemy o Megadeth.

Si analizamos el disco, vemos como Cadenas de Odio es un disco combativo, como viene siendo seña del grupo desde hace mucho tiempo. Tiene una mezcla del hardcore propio de la banda, mezclado con algo de punk y un toque de thrash metal muy claro. Así incluyen algo más de variedad a su repertorio, pero sin abandonar su esencia, la que concierto a concierto te invita a moverte y a poguear como un adolescente más. Incluso vuelven a sus raíces interpretando un tema en euskera, ‘Gora goaz‘ nos demuestra su inconformismo, y es quizás uno de los mejores temas del disco, junto a ‘Ningún Respeto‘, un tema con un estribillo frenético, cargado de baterías, y que cuenta con la colaboración del cantante de Non Servium. Un estilo mucho más cercano al metalcore o al hardcore que al punk original de la banda y que hace que las opiniones sobre sus últimos trabajos sean muy diversas.

Como ya es normal en los trabajos de SA, nos encontramos con temas de denuncia social, nos hablan de la situación política actual, la búsqueda de votos y la precariedad, como en el caso de ‘Barrio Oscuro‘, hardcore old school con un estribillo frenético, o la brutalidad policial, de la que nos hablan en ‘Presunto Culpable‘, o la represión, representada por el tema ‘Cadenas‘, el más contundente del disco y donde podemos saborear bien la esencia del grupo. A la corrupción política también le dedican un tema, donde la batería lleva la voz cantante, y va acompañanda de fuertes ritmos de guitarra. No se olvidan en este disco de la Iglesia y los casos de pedofilia, ‘Hipocresía Santa‘, tema que se acerca algo más al thrash metal, y que nos recuerda a grupos como Slayer.

Tampoco se olvidan de la corona, al que le dedican el tema ‘Apestáis‘, un tema algo lineal en cuanto a su estructura, que recuerda a ‘Punto y seguido‘, de su anterior disco. Uno de los temas más rápidos del disco, ‘Bilis y rosas‘, nos hablan del “todo vale” en televisión, donde la batería mantiene su fuerza, pero la contundencia de las guitarras dejan paso a las palabras de Juan, letra afilada y mensaje directo: cualquier cosa que dé audiencia es buena en TV, es una crítica a todo lo que nos está ocurriendo en estos momentos, donde tenemos canales de TV en los que únicamente promueven el morbo (ya sabemos cuáles son cada uno de nosotros).

Para aquellos a los que les resulte un poco monótono el disco, quizá unas cuantas escuchas les hagan pensar de diferente forma. Cierto que continúan con la senda establecida y que el disco es bastante lineal, pero es sonido SA puro y duro, evolucionando como banda. Atrás quedaron sonidos más cercanos al punk más ruidoso, para ir poco a poco consiguiendo un sonido mucho más limpio, pero sin perder un ápice de fuerza. Para un seguidor del hardcore como el que escribe, sin duda mejorando disco a disco, sin dejar de olvidar temas de discos anteriores que ya son un lema como ‘Nos vimos en Berlín‘ o ‘Ratas‘.

CALIFICACIÓN: 8,50/10

GRUPO: Soziedad Alkohólika
TITULO: Cadenas de Odio
DISCOGRÁFICA: Mil a Gritos (autoeditado)
AÑO: 2011
PAÍS: España

Pepper & The Stringalings forjan su madurez sabiendo exactamente lo que no quiere hacer. Son muy jóvenes pero con las ideas más claras que las de muchos grupos maduros. Formados oficialmente en Agosto del 2010, cuatro meses después ya comenzaban a dar sus primeros conciertos con gran aceptación por parte del público. En estos días lanzan a la venta su primer álbum, “Ronky“, desarrollando sus composiciones fieles a sus influencias setenteras y los textos a cerca del sexo y las drogas. ¿Tópicos del rock and roll way of life? Podría ser, pero los chicos no van de farol.

Lady Pepper (Pepa Solana) voz, guitarra, percusión; Red J. Special (Javier Alcázar) guitarra solista, coros; Rodry (Rodrigo García) bajo; y VvV (Eduardo Molina) voz, batería, guitarra, teclados, ejercen de maestros de ceremonias de este LP, donde el rock and roll de Queen o Led Zeppelin se dan la mano con el blues de Howlin’ Wolf y el soul femenino. Aunque los ágiles riffs son la tónica de las canciones más rasgadas, tales como ‘Shot of your love‘, ‘Fondue‘ o ‘Ronky monkey, la voz de Pepa Solana vendría a ser el principal atractivo del conjunto. Tan cuidada y brutalmente potente que recuerda a un joven Michael Jackson o a la mejor Aretha Franklin. Y aunque sea salvando las distancias, esto no es ninguna exageración cuando, llegados a la mitad y final del disco, suena con slide acústico ‘Lose your mind‘ y en especial ‘Please‘. El mejor cierre a un artefacto al que no le sobra ni el plástico que envuelve la cajita del CD.

Otro complemento a la talentosa voz de la vocalista es Eduardo Molina. ‘Love dies alone‘, ‘Oh, baby!‘ y ‘Pinstriped bullet‘ (presumiblemente la mejor pieza) arrancan con una sincronía perfecta entre ambas voces. Y habría que añadir que el mismo batería es a su vez pianista, guitarra en algunas ocasiones, corista y hasta el artífice del propio sello que edita el álbum. Por cierto, preciosa portada homanajeando a la obra de Alfons Mucha.

El orgasmo se estira y llega al clímax en ‘Ronky donkey‘ (no confundir con ‘Ronky monkey‘) tras los últimos estertores eléctricos y profundos que recorren, hasta ese punto, diez de los doce cortes de todo el trabajo.

Pero el mérito es mayor, por supuesto, por detalles como el de darle al bajista mucha más presencia (¿por qué en las producciones actuales no se hace así?). Y es que han mamado lo mejor del blues y del rock and roll sabiéndose juntar con un “quinto Stringaling”; Frank Garzón como ingeniero de sonido, cerrando el círculo sonoro que incluso esconde secretos técnicos todavía por desvelar. ¿Se podría pedir más? Un long-play con blues, hard rock, rock and roll y soul con el único fin de hacer llegar sus canciones del mismo modo que otros se las han hecho llegar a ellos. A veces, lo mejor habita en lo más incipiente y desconocido.

Naïfs y modernitos del mundo que vais de independientes a base de melódicas y ukeleles… cuando os salgan pelos en vuestras partes pudientes os podréis llamar indies, mientras tanto seréis un cero a la izquierda con estos muchachos adelantando por la derecha a más de un intouchable.

Tengan ustedes buenas tardes.

El séptimo trabajo de la formación Navarra ya está en las tiendas. El trío encabezado por Gorka Urbizu (único de los que restan de la formación original que era un cuarteto) a la guitarra y voces, junto a David González al bajo y Galder Izaguirre a la batería, más conocidos como Berri Txarrak (Malas Noticias en euskera), ya tienen en la calle su nuevo trabajo que lleva por nombre Haria. En él cuentan con la producción del gran Ross Robinson, con grupos en su haber como Korn, Slipnkot, Limp Bizkit o Deftones entre los más sonados.

Este nuevo trabajo, formado por 12 temas, sigue con la estela de su anterior disco, Payola, aunque vuelven a retomar ciertos aspectos de su música anterior. Este disco supone una evolución del grupo que ha hecho frente a los cambios en su formación y que finalmente parece encontrar estabilidad con la formación actual.

En Haria, nos encontramos canciones de todo tipo. Desde las más suaves (casi instrumentales) como “Lehortzen” (Secándose), que cierra el disco, o “Soilik agur” (Simplemente adiós, la más tranquila del disco), a reminiscencias de discos anteriores que nos recuerdan al mejor hardcore melódico de la banda, como “Makuluak” ( Las muletas, basado en un poema de Bertolt Brecht) o “FAQ” (Preguntas más frecuentes) que cuenta con la colaboración de Matt Sharp, ex de Weezer y actual líder de The Rentals. Éste último nos recuerda al tema “Denak ez du balio” (en el que participaba Tim McIlrath, cantante de Rise Against) en su comienzo, y uno de los mejores del disco.

En este nuevo trabajo el estilo Berri Txarrak queda claramente marcado en la canción que eligieron como single, “Albo-Kalteak” (Daños Colaterales), una canción con mucha fuerza y con un estribillo más melódico, similar a su anterior disco. No abandonan su estilo en “Guda” (La Guerra), con un comienzo fuerte, mucha guitarra y batería y un estribillo muy pegadizo. Así como “Haria” (El Hilo), canción que da título al disco, en la que podemos ver claramente la tónica de su último trabajo, un comienzo con mucha fuerza, que nos recuerda a trabajos como Libre o Eskuak / Ukabilak. En la misma línea está “Sugea suge” (Serpiente), tema que abre, y con el que dejan muy buenas sensaciones, una canción con una estribillo marcado por fuertes guitarras.

Pero este disco también nos reserva temas con tintes más melódicos en el que las partes lentas predominan, como es el caso de “Iraila” (Septiembre), con un final en el que la canción coge fuerza, o “Non bestela” (Dónde si no), que comienza con riffs y baterías duras pero que se va suavizando, aunque para cerrar vuelve a recobrar la fuerza del principio. En “Lepokoak” (Collares), podemos encontrar reminiscencias de heavy metal al principio, con una batería muy marcada, pero un estribillo más suavizado. Lo mismo le ocurre a “Harra” (El gusano), donde se alternan las partes más duras de Berri Txarrak con voces melódicas con un final en el que los riffs de guitarra son la nota predominante.

En este nuevo trabajo de los navarros cabe destacar esa forma de grabar de Ross Robinson, en la que no hay sitio para las perfecciones, si un tema tiene una imperfección a la hora de grabar es una seña de identidad del propio tema. Una forma de ofrecernos un trabajo en el que Berri Txarrak se han superado, ofreciendo un sonido espectacular y temas de lo más variopinto para todos sus seguidores, desde los más acérrimos que le siguen desde su maqueta, con un estilo más duro, hasta los que aprecian más sus partes melódicas.

CALIFICACION: 9,00/10

GRUPO: Berri Txarrak
TITULO: Haria
DISCOGRAFICA: Kaiowas Records
AÑO: 2011
PAIS: España

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¡Cuidado, nene! Los chicos malos del rock and roll valenciano llevan automáticas y quieren pelea. “Historias del lado este” es un disco que rinde homenaje a “West Side Story” en su portada y en la versión de ‘Jet song‘ ,que compuso Leonard Bernstein para dicho film con letra de Stephen Sondheim.

Se trata del terecer trabajo de la banda de Miguel Ángel Escorcia, que junto a sus dos Jets , Archie Boogie y Lucky Martínez, consiguen hacer uno de los mejores discos en lo que va de año. Lo bueno es que van en pandilla contando con Los Sharks, que no son otros que Txema Mendizabal a la armónica en ‘Mi funeral‘ y al pedal steel en ‘Buenos días tristeza‘, Roberto Cappella al piano al frente de ‘El resto de nuestros días‘ o ‘Quien… dime quien‘ y del indomable Jose Manuel Casañ (Seguridad Social) haciendo suyo el tema ‘No llores por mi‘.

Como reza en el libreto de tan magnífico artefacto, a todos les excita ser lava de volcán y es por ello que las Gretsch 6120 vuelven a disparar sin compasión cuando el rock and roll es urgente en piezas tales como ‘Días de vino y moscas‘ e incluso en el corte que da título al LP. El endiablado rockabilly es la gasolina que hace funcionar el motor de las once partes de un clásico sobre cuatro ruedas. Y si se les detiene ese “motor”, déjenlo correr, igual le queda un último chispado que accione el acelerador. No hay una mala canción, todas son agitadas e infernales, desde ‘Lo poco bueno que me queda de ti‘ hasta ‘Comida para gatos‘ se expande el núcleo central y más potente a baste de contrabajo y trémolos con vibrato.

Se le irán los pies que, cubiertos con bajos subidos de tejanos, pisarán la costa levantina de norte a sur para decir: “¡Ey, man! Estas son canciones inspiradas en hechos reales“. ‘Historias del lado este‘ realmente se basan en sucesos cercanos a la banda o bien a la ciudad que habitan, por lo que más de uno se sentirá identificado.

Vigila quien te sigue en los callejones, muchacho, que los gatos, al anochecer, son todos pardos.

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Texto: Charly Hernández

Es posible que después de escuchar este trabajo necesites unas vacaciones en Punta Cana.

«¿Qué clase de desgraciados son estos ye-yés que le dan a la guitarra y al tambor y se hacen llamar Hashima?» Se preguntan dos lustrosos ancianos que pasean por la Plaza del Pilar.

Esta gentuza, a los que les dio por meterese en la música cuando Señor le endosó el doceavo gol a Malta, acaban de hacer uno de los EPs más brutales y cojonudos del panorama patrio. Lo han titulado “Nadie sabe que estoy aquí“, rememorando al literato Haruki Murakami. De igual modo el nombre de la banda incluso tiene el recuerdo nipón de la Isla Hashima, también llamada Gunkanjima. Se trata de una de las quinientas cinco islas deshabitadas de la prefectura de Nagasaki. Lugar exacto a donde más de uno habría mandado a estos pájaros.

Pero el rollo japonés no es nuevo, pues el anterior grupo del vocalista de la banda, Luis Bernadaus, se llamaba Wasabi, como la salsa picante típica de la gastronomía asiática. Con esa banda machacaron los escenarios españoles y mexicanos. Allí cultivaron mucha vibra por lo que volverán, si les dejan entrar al país, para hacer una nueva gira, esta vez bajo el nombre de Hashima.

A Luis Bernadaus se le unen dos miembros de los extintos Wasabi en esta nueva andanza: David Albalá al bajo y el joven -y ya corrompido- Daniel Salanova a la batería. Como guitarrista fichan a un tótem del rock maño, Pablo Peralta. Con los ensayos y la confianza trabajada durante medio año, el conjunto empieza a componer una serie de canciones que terminan desembocando en este EP de cuatro cortes, presentado recientemente y grabado en los estudios Inguz de Zaragoza. ¿Qué puede encontrar un infraser en un disco como este? Pues aunque tuvieran el gérmen de Héroes del Silencio allá donde la espalda pierde su nombre, estos muchachos suenan contundentes con líneas de bajo y fraseos nada conocidos por la muchachada. Quizá anden cercanos al sonido rabioso de Tako, pero no ha visto Aragón unos atributos musicales como los de estos tipos raros de Hashima.

Para presentarse al mundo y ante las féminas, van dando la tabarra con el primer corte de muestra, titulado como lo que hay en la sesera de cualquier político, ‘Nada‘. La voz de Bernadaus en esta canción es un muro de piedra contra el que choca el ritmo de la batería, consiguiendo una pieza bailable. ¡Y no se pierdan el videoclip! Realizado por Pavoreal Producciones bajo la dirección de Ray Rosales entre los paisajes del Moncayo.

No hay una sola canción que sobre ni ningún componente que no destaque aportando su parte. El bajo de Albalá es un importante eslabón que unido al contencioso ritmo del motor de la máquina, dirigido por Salanova, mantienen la línea rítmica que recorrerá de manera salvaje el cuarteto de canciones, como en el caso del bajo en ‘Euforia‘. ‘La opinión del hombre rana‘ se encarga de abrir “Nadie sabe que estoy aquí” otorgando unos guitarrazos mordidos por la mano y la seis cuerdas de Pablo Peralta que se abren camino entre los coros limpios y el grito del vocalista cuando alcanza el estribillo:

«Esperando un corazón, yo te digo lo que pienso como una puesta de sol…»

Y aunque no lo parezca, esta panda de desalmados tienen su lado tierno. Para ello se curten en la experiencia con el cierre al trabajo, ‘En la sombra absoluta‘. Ritmo pausado y conjunto vocal que va de menos a más con un solo de guitarra (de esos de mechero al cielo) hasta que la música toca a su fin, volviendo a querer quemar desde el principio esta primera entrega de Hashima, la actual posada de unos aventajados y labrados músicos.

Si usted tiene algún vecino ruidoso, amante del rock y de la cerveza (si es Ámbar, mejor que mejor), es que es muy probable que en su comunidad de vecinos esté viviendo un miembro, duro y venoso, de Hashima.

«Somos de provincias, somos divertidos».